Liebe Leserin, lieber Leser,
Tom Cruise und Sandra Hüller – zwei unserer erfolgreichsten Titel im letzten Jahr, gemessen am freien Verkauf im Bahnhofsbuchhandel und in ausgewählten Kinos. Der eine hat gezeigt, dass der schnelle, scharfe Actionfilm noch funktioniert. Die andere dominiert gerade das Arthouse-Geschehen. Der ungewöhnliche Thriller – Anti-Thriller? – Anatomie eines Falls von Justine Triet räumte fünf europäische Filmpreise ab, darunter, klar, den für die beste Hauptdarstellerin. Ebenfalls nominiert war Hüller für Zone of Interest, Deutschlandstart im März, und auch in den USA bahnt sich ein Preisregen an. Von Hüller kann man sagen, was Tim Burton einmal über Johnny Depp bemerkt hat: Sie ist der Grund, warum man einen Film macht. – Frauen mögen in den höheren Rängen des Business immer noch krass unterrepräsentiert sein. Aber das vergangene Jahr hat gezeigt: Wenn sie was machen, kann man nicht darüber hinwegsehen. Maxi Braun schreibt in diesem Heft über die fällige Wiederentdeckung einer Zielgruppe, die vom Kino lange schlecht bedient wurde: Mädchen und junge Frauen. 
Apropos Verkauf: Sie werden merken, dass wir – Papier ist teuer geworden – mit dem Preis leicht angezogen haben, plus 30 Cent beim Einzelheft. Hoffentlich kein Dealbreaker. In diesem Januar startet epd Film in den 41. Jahrgang. Andersrum formuliert: Wir werden 40. Darüber mehr im nächsten Monat . . .

unser Cover blickt nach Westen. Im Heft wollen wir Sie aber auch, so vom Standort Frankfurt aus gesehen, in die andere Richtung entführen: den deutschen Osten. Über den wird gerade, im Vorfeld der Landtagswahlen in Thüringen, Sachsen, Brandenburg, heftig diskutiert – und meist aus der Perspektive des Westens. 
Auch im Kino gibt es da eine gewisse Unwucht.  So fallen einige der einflussreichsten in der DDR angesiedelten Filme in die Sparte distant reading: Das Leben der Anderen, Barbara. Natürlich muss man das, wo­rüber man Filme macht, nicht selbst erlebt haben. Aber wenn es um ­kon­krete historische Erfahrung geht, ist der Zeitzeugenblick zweifellos relevant.  Darum haben wir bekannte Filmschaffende mit »Ostbezug« gebeten, Arbeiten zu ­empfehlen, die sie als besonders authentische ­Darstellungen der DDR und des Lebens danach empfinden.  
Was wir nicht ins Heft bekommen haben, ist das »Oben«, das All. Alien: Romulus war vor Drucklegung leider nicht zu sehen. 

Liebe Leserin, lieber Leser,
warum ist Jack am Ende von Titanic ertrunken? Schlaumeier im Internet meinen: Weil Kate Winslet als Rose zu dick war – ­beide hätte die im Eiswasser dümpelnde Tür nicht getragen. Das ist erstens ziemlich kurz gedacht, denn natürlich ist Jack gestorben, weil James Cameron es so wollte; der Regisseur und Autor war auf Tragödie aus. Zweitens ist es eine blanke Frechheit. 
Sicherlich haben sich die Maßstäbe ­verschoben; auch männliche Stars hungern heute, um in einen dieser scharfen, ­schmalen Tom-Ford- oder Slimane-Anzüge zu passen. Aber es sind immer noch Schauspielerinnen, ­besonders junge, deren Körper ­beständig ­öffentlich bewertet, objektifiziert und kritisiert werden. Maxi Braun hat die Geschichte von der Titanic-Tür ausgegraben  und beschäftigt sich in unserem Thementeil mit dem ­Phänomen, das im Echoraum der sozialen Medien bizarre, demütigende Formen ­angenommen hat.



Liebe Leserin, lieber Leser,, allen ist mies, oder? Der Deutsche Filmpreis kann es keinem richtig recht machen, die Filmförderung steckt in der Krise. Und das Politische überschattet viele Kultur­events, nicht nur bei uns; das zieht sich von den Oberhausener Kurzfilmtagen (in diesem Heft) bis nach Cannes (im nächsten). Man muss das alles diskutieren, keine ­Frage. Aber wie geht es denn eigentlich – dem Film? So als Kunst? Könnte man mal festhalten, dass das Kino sich nach dem Corona-­Stupor nicht schlecht berappelt hat und uns, so ­zwischen The Zone of Interest und Challengers, gerade sehr vielstimmig entgegenkommt. Das gilt auch fürs deutsche Filmpreis-Line-up, in dem Sterben, Im ­toten Winkel und Die Theorie von Allem formal weit ausholten – bei gleicher Leidenschaft fürs Filmemachen.  Wir haben in diesem Heft für Sie: einen ­monumentalen Dänen, einen sanften Deutschen, einen Haufen röhrender Maschinen  … Und wünschen viel Vergnügen im Kino.

Liebe Leserin, lieber Leser, 90 Minuten sind ja schon lange out, die neue Idealformel für eine Filmlänge scheint sich, auch im Blockbuster-Segment, bei drei Stunden einzupendeln. Meistens hat das was mit »Inhalt« zu tun: Braucht halt ein bisschen,
diesen historischen Stoff, jenen Roman auf die Leinwand zu hieven. Bei Nuri Bilge Ceylan ist es anders: Die Zeit arbeitet hier mit –
ihre Erfahrung erzeugt etwas, »das schwer zu beschreiben ist«, wie der türkische Autorenfilmer in der Begegnung mit Thomas Abeltshauser sagt (S. 38). Wie auch immer, gute Filme dürfen lang und luxuriös sein. Wir dagegen haben mit dieser Ausgabe einige Inhalte komprimiert, man soll ja kein Papier verschwenden.
Wie Sie sehen, fläzt sich das Editorial nicht mehr auf einer ganzen Seite, Termine und TV haben wir ins Foyer integriert. Und statt
der luftigen Vorschau finden Sie auf der letzten Seite etwas Substantielles …
Viel Vergnügen mit diesem Heft wünscht Sabine Horst, Leitende Redakteurin
epd Film shorst@epd.de

Liebe Leserin, lieber Leser,
Fortschritt in der Kunst bedeute: eingespielte, nicht mehr bewusst wahrgenommene Verfahren zu entautomatisieren, heißt es in einem sehr berühmten Text des russischen Formalisten Viktor Sklovskij. Das kann im Kino eine so hochartifizielle Arbeit sein, wie sie die italienische Arthouse-Regisseurin Alice Rohrwacher in ihren neofellinesken Filmgedichten unternimmt. Es kann dabei aber auch deftig zugehen wie in den Horror-Compilations der Scream-Serie. In jedem Fall muss man, um eine gut geölte Maschinerie aus dem Takt zu bringen, wissen, wie sie funktioniert. Und das Vergnügen des Zuschauens liegt oft in einer Mischung aus wohligem Wiedererkennen des Alten und Verblüffung über das Neue. In diesem Heft erzählt Alice Rohrwacher, aus welchen Impulsen sich ihr  aktueller Film La chimera speist. Und Marcus Stiglegger beschreibt die Konventionen, Klischees und Topoi des Apokalypsekinos. Davon gibt es viele, aber . . . es ist auch immer wieder etwas nie Gesehenes entstanden.

Liebe Leserin, lieber Leser,
er hatte nur drei Spielfilme gedreht, aber unser Autor Patrick Seyboth meinte immer: Den muss man porträtieren. Nun kommt Jonathan Glazers vierter ins Kino, und die Zeit ist reif. The Zone of Interest ist jetzt schon einer der wichtigsten Filme des Jahres – die Preise, die er gewonnen hat und bei den Oscars vielleicht gewinnen wird, sind dafür nur ein Indiz. In einer Zeit, in der autoritäre Tendenzen und rechtsextremistische Bewegungen die Vorstellung vom »Wertewesten« zerlegen, zeigt Glazer eine Nazifamilie in ihrem Habitat: am Rand des KZs Auschwitz, als rational handelnde Täter, die wissen, an welcher Welt sie arbeiten, und berechnen, was ihre Verbrechen einbringen. Und wo ist die Antifa, wenn man sie braucht? Davon handeln die Filme, die Rudolf ­Worschech im Ranking auf S. 7 zusammengestellt hat. 
Die Pressevorführungen zu Dune: Part 2 waren für uns leider zu spät angesetzt. Aber Sie finden im Heft ein ­Porträt von Rebecca Ferguson und ein Erklärstück zum »Königsformat«, in dem Dune auch ins Kino kommt: IMAX.

Liebe Leserin, lieber Leser,
reden wir kurz über das Impostor-Syndrom. Das geht ungefähr so: Eigentlich macht man einen guten Job, aber man denkt immer, es reicht nicht und man könnte als Hochstapler und Blender entlarvt werden. Hätten wir unter diesem Psycho-Problem ­gelitten,­ dann wären wir jetzt geheilt. In unserem Leserpoll 2023 haben wir zum ersten Mal­ die Frage gestellt: Warum lesen Sie epd Film? Und: Wir sind gerührt, bestätigt und ermutigt von Ihren Zuschriften. »Fundierte Kritik ... kluge kuratierte Themenmischung ... coole Essays ... Hilfe im Seriendschungel ... breit aufgestellt ... übersichtliche Gestaltung ... schlicht die beste Filmzeitschrift ... Ihr seid mit der Zeit gegangen und überrascht durch eure Kantigkeit.« 
Mit der Zeit gegangen ist ein gutes Stichwort: Sie sehen hier, wie sich das Heft seit der Erstausgabe vom Januar 1984 verändert hat. Was eher an der explosiven Entwicklung der Bildmedien liegt als an personellen Wechseln – die Redaktion, jetzt noch Barbara Schweizerhof­ und ich als Hauptamtliche, unsere Freien und Autor*innen bildeten immer ein ziemlich stabiles Team. Stabil gebunden sind auch viele unserer Leser*innen, haben wir bemerkt (Anmerkung für Sammler: Register kommt im nächsten Heft).  Der 40. Geburtstag ist eine gute Gelegenheit, das mal zu sagen: Danke für Ihre Aufmerksamkeit!

Liebe Leserin, lieber Leser,
»Christmas came early for me«, heißt es in einem Song der Wombats. Das hätte sich vermeiden lassen. Wir erinnern noch rechtzeitig: Am 24.12. ist es so weit. Und damit Sie nicht ohne Geschenke da­stehen, haben wir in diesem Monat eine besonders ausführliche Strecke mit Buch- und DVD-Besprechungen zusammengestellt. Einen Rückblick auf 2023 mit seinen cineastischen Höhen und Tiefen und die Bitte, sich an unserer Leserumfrage zu beteiligen – bester deutscher Film! Preis! –, finden Sie ebenfalls in diesem Heft. 
Anders als für die Welt im Großen (auf S. 18 schreibt Thomas Abeltshauser über die Reaktion Hollywoods auf den Krieg in Israel) war es fürs Kino kein schlechtes Jahr. Wir Pandemie-Potatoes haben uns wieder in »aktive Konsumenten« verwandelt; das Event des Sommers, der wahrhaft surreale Clash von Barbie und Oppenheimer, hat das Filmerlebnis revitalisiert. In welcher Reihenfolge in welches Kino, wo gibt’s IMAX, wer kommt mit, was ziehen wir an? Man musste sich organisieren. Und am Ende, bei allem Hype, lädt so ein Double Feature extrem unterschiedlicher Filme dazu ein, über Fragen der ästhetischen Wertung zu streiten. Ich hab mal in den Dezemberplan geschaut. Am 21., wenn unser Cover-Film, der meditative Perfect Days von Wim Wenders anläuft, starten auch Aquaman 2, die Milli-Vanilli-Geschichte Girl, You Know It’s True, der  Animationsfilm Raus aus dem Teich und der Martial-Arts-Klassiker A Touch of Zen. Pick your fight!

Liebe Leserin, lieber Leser,
im Zusammenhang mit dem Massaker der Hamas in ­Israel wurde und wird immer wieder nach »Kontext« ­gefragt: nach der Geschichte dieses Kriegs. Muss man ­da­ran er­innern, dass dazu dieses Datum gehört: 9.11.1938, der Tag des Pogroms an den Juden in Nazideutschland?
Die Schoah ist der unhintergehbare Grund für die Existenz Israels: kein Fragezeichen hinter dem Titel von Claude Lanzmanns Dokumentarfilmklassiker Pourquoi Israel/Warum Israel. Für die filmische Recherche zur Geschichte empfehle ich des Weiteren das Israel Film Archive, ein Projekt der Jerusalem Cinematheque, das seit einiger Zeit einen Fundus zum internationalen Streaming (auch for free) anbietet: Spielfilme aus allen Jahrzehnten, Dokus, Kurzfilme, sogar Archivmaterial aus dem frühen 20. Jahrhundert. Dass das Kino aus Israel immer schon beide Seiten des Konflikts in den Blick genommen hat, belegt ein Film von 2008, den das Evangelische Zentrum für entwicklungsbezogene Filmarbeit – EZEF Mitte November auf DVD herausbringt: In Lemon Tree erzählt Eran Riklis von einer Frau, die im Westjordanland, hart an der Grenze zu Israel, um ihr Grundstück kämpft und einen brüchigen Kompromiss erzielt – kurz vor dem Bau der Mauer.

Mehr Volks-Bots! 

Liebe Leserin, lieber Leser,
das Wort Emergenz, wörtlich Auftauchen, Emporsteigen, ist in der Technikdebatte sehr beliebt. Es bedeutet, dass »höhere Seinsstufen durch neu auftretende Qualitäten aus niederen entstehen«. Bezogen auf die neue, »schöpferische« KI ist das eine beunruhigende Aussicht: Wird, was mal mit blubberndem DOS-Code begann, zu unserer Abschaffung führen? Die KI-Angst geht im Kino um – zum Beispiel in The Creator (Kritik S. 58) –, wie im realen Leben. Aber auch Technikgeschichte verläuft nicht linear. Und es gibt ja nette Programme. Zum Beispiel die Filmfiguren-KIs, die sich irgendwelche Nerds – oben bei character.ai – für die Fan-Community ausdenken: chatten mit Dr. Strange, Rollenspiel mit Animehelden und Fantasyqueens. Meine ersten, flüchtigen Tests haben ergeben, dass die Gespräche noch ein bisschen unterkomplex sind. Aber, hey, Emergenz! Wer weiß, was sich aus der »niederen« Form KI-Fanfiction entwickelt. Georg Seeßlen hat sich in diesem Heft mit der Frage beschäftigt, was der aktuelle Technikschub dem Film bringt – und wie er sich damit auseinandersetzt.

Viel Vergnügen mit diesem Heft wünscht
Sabine Horst,
Leitende Redakteurin epd Film
shorst@epd.de

Liebe Leserin, lieber Leser,
ist Barbie ein Arthousefilm oder ein Blockbuster? Bei uns führt der Film jedenfalls beide Charts an. Greta Gerwig und Noah Baumbach haben mit ihrem Mix aus Cinephilen-Witz, Gendertrouble und Commercial die Grenze zwischen den Sparten endgültig geschleift. Muss nicht schlecht sein. Aber blenden wir ein paar Jahrzehnte zurück – in die Blütezeit des Independentfilms und der Programmkinos. Okay, einen Barbie-Film von Pedro Almodóvar kann man sich knapp vorstellen, schließlich ist Gerwigs Puppenuniversum ja auch ein bisschen queer und sehr bunt. Eine Version des frühen David Lynch – Steampunk-Barbie im Heliumrausch – hätte ich gern gesehen. Aber Jim Jarmusch? Unvorstellbar. Und erst recht Aki Kaurismäki. In Fallende Blätter nimmt er den Faden seiner »Arbeiter-Trilogie« auf: melancholische, empathische Botschaften aus einer Welt, in der Konsum bedeutet, sich einen Piccolo-Sekt und eine Packung Spargel zu leisten, wie auf dem Bild oben rechts. Birgit Roschy hat dem Gefühl der Ära Kaurismäki nachgespürt und beschreibt, was dieses Werk so besonders macht.

Liebe Leserin, lieber Leser,
fürs US-Kino war er eine Party, der Doppelstart von Barbie und Oppenheimer: Clash of the Titans, King Kong vs. Godzilla, ein Event, komplett mit Fan-Craze, das mobilisierte – und zweifellos Zuschauer anzog, die man im einen oder anderen Film sonst nicht gesehen hätte. Aber es lag ein Schatten über dem legendären Wochenende: Arbeitskampf, Schauspielerstreik, es drohen Startverschiebungen auch bereits abgedrehter Produktionen. Promotion ohne Stars? Nicht lustig. 
Wir haben »Barbenheimer« in diesem Heft nachgearbeitet. Im Übrigen wenden wir uns dem Autorenkino zu. Und der Frage: Was ist ein schöner Film? An dem schwierigen Begriff – »Schönheit ist eine Norm, mit der Politik gemacht wird«, hat mal eine Kollegin trocken gesagt – 
kommt man kaum vorbei, wenn es um den italienischen Regisseur Emanuele Crialese geht. Schön ist in seinem neuen Film nicht nur Penélope Cruz, der wir bei der Titel-Auswahl selten widerstehen können. Verführerisch sind auch die farbsatten Bilder, die das Rom der Siebziger zum atmosphärischen Backdrop einer vitalen Mutter-Kind-Beziehung und einer jugendlichen Selbstfindung machen. Im Gespräch mit Thomas Abeltshauser erzählt Crialese, warum L’immensità so persönlich und zugleich universell ist.

Liebe Leserin, lieber Leser,
zu unserem Cover hätte es eine Alternative gegeben. Statt Tom Cruise, der mit seinen Actionﬁlmen immer noch das meiste Geld in die Kinokassen spült – einer muss den Job machen –, hätte es Margot Robbie sein können. Lächelt ja auf dem Bild oben mindestens so anziehend wie ihr Kollege. Und sammelt »ikonische« Rollen: Sharon Tate bei  Tarantino, Harley Quinn bei DC – nun Barbie unter der Regie von Greta Gerwig. Aber Robbie hatten wir schon im Januar auf dem Titel. Und es ist Zeit, sich etwas vor Augen zu führen, das man über dem unschlagbaren Un-terhaltungswert der Mission: Impossible-Serie fast schon vergessen hatte: Tom Cruise ist ein großer Schauspieler, der extrem unterschiedliche Varianten amerikanischer maleness vorgeführt hat – mit reichlich Klassikern im Gepäck. Marion Löhndorf hat ihn porträtiert. Und bedauert, dass M:I – Dead Reckoning Teil eins noch nicht zu sehen war. Was leider ein Problem dieser Ausgabe ist: Die Rezensionen von Barbie, M:I und Christopher Nolans Oppenheimer müssen wir nachziehen. Im Kriti-kenteil finden Sie aber, wie immer, viele würdige Filme: von Ozon und Marcello oder der Newcomerin Lola Quivoron, die mit Rodeo ein spannendes Debüt vorgelegt hat.

Liebe Leserin, lieber Leser,
vor zwei Wochen hat Rudolf Worschech in der Redaktion seine Festplatte geleert, die Film-Sammlerstücke aus dem Regal waren schon weg. Rudolf geht in den Ruhestand und hinterlässt, das würde er nicht so sagen, aber wir schreiben es jetzt hier ins Buch: eine große Lebensleistung. 35 Jahre hat er für epd Film gearbeitet, erst als Freier für Wilhelm Roth und Bettina Thienhaus, ab 1996 angestellt, seit 2002 als verantwortlicher Redakteur. Das sind rund 420 von 470 Ausgaben, und er hat sie alle nicht nur verlässlich auf hohem Niveau produziert – »das Heft erscheint immer« –, sondern unverwechselbar gemacht. Mit journalistischem Gespür und legendärer Sachkenntnis, vom Western über den osteuropä­ischen Film bis zur Filmtechnik (angesammelt auch in seiner Zeit als Ausstellungs- und Kinomacher im Frankfurter Filmmuseum), mit klarem Urteil (eingebauter Bullshit-Detektor), einem fein ironischen, aber stets dem Film zugewandten Stil und einer, jawohl, zutiefst demokratischen Haltung. Dass epd Film sich in der siechen Filmpublizistik behauptet hat, verdanken wir Rudolf. Wir übernehmen ein Heft in stabiler Lage. Leider können wir ihn jetzt nicht mehr von Schreibtisch zu Schreibtisch bitten, mal eben das deutsche Kino der 60er zu erklären. Aber als Autor bleibt er uns erhalten, da sind noch ein paar Geschichten in der Pipeline ...

Liebe Leserin, lieber Leser,
wer würde sich nicht einen solchen Lehrer wünschen? ­Einen, der in die Schule kommt und versucht, den Kindern Rockmusik beizubringen. Und es schafft, alle am Bandprojekt zu beteiligen, nicht nur die, die ein Instrument spielen können. Die Kinder in Deweys Klasse sind anfänglich ziemlich reserviert, schließlich handelt es sich um eine elitäre Privatschule. Aber als er ihnen »Smoke on the Water« vorspielt, sitzen die Griffe sofort. Jack Black spielt diesen Lehrer – der eigentlich keiner ist – in School of Rock als exzessiven Nerd. Die US-amerikanische Filmgeschichte ist voll von diesen­ unorthodoxen Typen, die ihrer Klasse auch mal was anderes mitgeben als die binomische Formel, denken Sie nur an Robin Williams in dem Klassiker Der Club der toten­ Dichter oder Michelle Pfeiffer in Dangerous Minds. ­Und wahrscheinlich kommt die Faszination der Figur Lehrerin / Lehrer ganz einfach auch daher, dass wir sie alle irgendwann mal bewundert oder erlitten, in jedem Fall erlebt haben. Aber wie ist der deutsche Film mit Lehrern und Lehrerinnen in ihrem natürlichen Lebensraum, der Schule, umgegangen? Patrick Seyboth hat sich im Thementeil anlässlich des Kinostarts von Das Lehrerzimmer umgesehen.

Liebe Leserin, lieber Leser,
auf der Berlinale war Christian Petzolds Roter Himmel einer der großen ­Favoriten auf den Goldenen Bären, eine Geschichte um einen Misanthropen, ungewöhnlich komisch, als hätte der Regisseur sich ein bisschen neu erfunden. Am Ende hat er den zweitwichtigsten Preis, den Silbernen Bären, bekommen. Bei den Deutschen Filmpreisen wird er leer ausgehen. Er ist nicht einmal nominiert: 26 Filme hat die Deutsche Filmakademie ausgewählt – ­Roter Himmel­ ist nicht dabei. Böse Zungen behaupten schon länger, dass Petzold als ausgewiesener Gegner der Akademie schlecht abschneidet. Seit 2005 ­vergibt die Deutsche Filmakademie die Filmpreise, und begründet wurde der Wechsel von der Jury zur Mitgliederabstimmung damals mit dem demokratischeren Verfahren. Demokratischer? Auch die Vorauswahlnominierungen nimmt eine Kommission vor, der etwa neben den Mitgliedern der einzelnen Sektionen zwei Bundestagsabgeordnete angehören. Sicher, den Fall Roter Himmel kann man als einmaliges Versagen abtun. Aber es ist ja nicht das erste Mal, dass Deutschlands mit drei Millionen höchstdotierter Kulturpreis ins Gerede kommt. Gerade die Preishäufungen der letzten Jahre auf einen Film warfen Fragen nach dem Verfahren auf – eine Jury kann besser verteilen. Wir haben Roter Himmel jedenfalls zum Anlass genommen, Ihnen den Hauptdarsteller Thomas Schubert vor­zustellen. Lesen Sie das Porträt von Alexandra­ Seitz auf Seite 18.

Liebe Leserin, lieber Leser,
heute verwenden viele Dokumentarfilmregisseure in ihren Filmen keinen Offkommentar mehr. Das ist nicht nur eine Abkehr vom belehrenden Tonfall des Kultur­films, es soll auch dem Zuschauer ermöglichen, sich eine eigene Meinung zu bilden. Bei dokumentarischen Arbeiten mit historischen Themen montiert man meistens Archivaufnahmen mit Zeitzeugen-Interviews oder Aussagen von Wissenschaftlern. Der ukrainische Regisseur Sergey Loznitsa, der im Spiel- wie im Dokumentarfilmbereich arbeitet, hat in den letzten Jahren Filme präsentiert, die Archivmaterial montieren, ohne Kommentar, ohne erläuternde Passagen. In Babi Yar. Context hat er das Davor und das Danach des furcht­baren Massakers im Jahr 1941, dem mehr als 33 000 jüdische Männer, Frauen und Kinder zum Opfer fielen, neu zusammengestellt; von den Erschießungen durch die ­Einsatzgruppen gibt es keine Aufnahmen. Und in State Funeral über die Beisetzung Stalins zeigt Loznitsa die Choreographie der Massen im Sowjetreich. »Collagefilme« nennt unsere Autorin Silvia Hallensleben seine und andere unkommentierte Archivfilme in ihrem Text in diesem Heft. Loznitsas neuester Film Luftkrieg – Die Naturgeschichte der Zerstörung kommt in diesem Monat in die Kinos.

Liebe Leserin, lieber Leser,
Le Trou (Das Loch, 1960) ist der letzte Film des französischen Regisseurs Jacques Becker – und vielleicht sein bester. Vier Männer versuchen, aus einem Staatsgefängnis auszubrechen: Mehr Plot braucht Becker nicht, um ein physisches Kino zu zelebrieren, in dem man minutenlang dabei zusieht, wie ein Loch in den Boden geschlagen wird. Wahrscheinlich ist Le Trou gerade in seiner Reduktion so etwas wie die Vollendung des Ausbruchsfilms. Unser Autor­ Georg Seeßlen hat sich anlässlich des Starts von Plane­ mit Gerard Butler dieser Art von Kino angenommen, das quasi an die Frühzeit des Kinematographen anknüpft, als die Dynamik der Bewegung die Essenz des Kinos bedeutete. Solche Filme erreichen nur selten Festivals – schon gar nicht den Wettbewerb der Berlinale. Die Filmfestspiele von Berlin beginnen am 16. Februar mit She Came to Me von Rebecca Miller. Es dürfte das erste unbeschwerte Jahr der Festspiele werden nach der pandemiebedingt digitalen Ausgabe 2021 (mit Open-Air-Kino im Sommer) und der reduzierten, unter strengen Sicherheitsvorkehrungen veranstalteten Berlinale 2022. Jenni Zylka, gelegentliche epd-Film-­Autorin, verantwortet seit diesem Jahr die Sektion »Perspektive deutsches Kino«. Ulrich Sonnenschein hat sie interviewt.

Liebe Leserin, lieber Leser,
bestimmt haben Sie schon einmal darüber nachgedacht, was denn der beste Film ist, den Sie je in Ihrem Leben gesehen haben. Oder Sie wollten Ihr Kind an die Filmgeschichte heranführen und ihm den besten Western aller Zeiten zeigen. Und dann werden Sie festgestellt haben, dass das gar nicht so einfach ist mit dem besten Film, und sich ein paar Titel notieren – schon haben sie ein Ranking, eine Liste. Cineasten und Kritiker lieben solche Listen, das Netz ist voll davon. »Sight And Sound«, die vom British Film Institute herausgegebene altehrwürdige Filmzeitschrift, führt seit 1952 eine Liste der Top 100 Greatest Films of All Time, die alle zehn Jahre erneuert wird. Bei der neuesten Umfrage hat sich überraschend Chantal Akermans Jeanne Dielman, 23 quai du Commerce, 1080 Bruxelles auf den ersten Platz geschoben. Gerhard Midding kommentiert in seiner Kolumne den Spitzenreiterwechsel (S. 8).  Auch sonst hat dieses Heft viel mit Listen zu tun. Zum einen haben wir, wie jedes Jahr, unsere Kritikerinnen und Kritiker nach ihren Top 5 gefragt – ein wirklich glasklarer Favorit ist nicht dabei (S. 12). Und wir fragen auch wieder Sie, unsere Leserinnen und Leser, nach Ihren Favoriten im vergangenen Kinojahr. Besonders interessiert uns natürlich Ihr Votum zum deutschen Film – dem Regisseur oder der Regisseurin verleihen wir wieder die legendäre Uhr der Firma Nomos. Schreiben Sie uns oder füllen Sie das Formular auf unserer Website aus.

Liebe Leserin, lieber Leser,
Avatar: The Way of Water ist sicherlich das filmische Großereignis am Ende dieses Jahres. Schließlich war der erste Avatar von 2009 der erfolgreichste Film aller Zeiten, und viele Fans warten auf die Fortsetzung. Nun, The Way of Water wird am 14.12. starten. Wenn Sie in diesem Heft keine Kritik finden, dann liegt das nicht an uns – der Film war nicht zu sehen. Die Pressevorführungen werden wohl erst ein paar Tage vor dem Start stattfinden. Für Tageszeitungen oder Internetportale stellt das kein Problem dar, für ein Monatsmagazin schon. Das ist leider bei potenziellen Blockbustern heute Praxis. Verleiher »kleinerer« Filme sind dazu übergegangen, personalisierte Links an die Journalisten zu schicken. Und zu manchen Filmen, etwa von Til Schweiger, gibt es weder eine Pressevorführung noch Links. Die Kritik zum neuen Avatar holen wir im nächsten Heft natürlich nach – er wird bis dahin immer noch die Kinos beherrschen. Und wenn Sie sich vorbereiten wollen: Unser Autor Patrick Seyboth schreibt in diesem Heft über das Format 3D, in dem auch der neue Avatar gedreht wurde.

Liebe Leserin, lieber Leser,
jeder, der in den letzten Jahren in New York war, hat das National September 11 Memorial gesehen, die quadratischen Grundrisse des World Trade Center, in denen sich
nur Wasser befindet, das in die Mitte abläuft. Diese gigantische Leere soll die Abwesenheit symbolisieren, der Gebäude, vor allem aber der 3000 Menschen, die durch
den Terroranschlag umgekommen sind. Die Veranstalter des Pariser »Bataclan« sind einen anderen Weg gegangen. In dieser rund 1500 Menschen fassenden Konzerthalle ermordete die Terrormiliz Islamischer Staat am 13. November 2015 89 Menschen. Fast genau ein Jahr später eröffnete das »Bataclan« wieder, mit einem Konzert des Musikers Sting. Auch das hatte natürlich einen hohen Symbolwert. In dem spanischfranzösischen Film Un año, una noche (deutsch: Frieden, Liebe und Death Metal) ist das genau die Zeitspanne, in der sich ein junges Paar, das in der Halle war, entfremdet und – vielleicht – wiederfindet. Es kommen in diesen Tagen einige Filme ins Kino, die vor allem die Auswirkungen dieses Anschlags, die äußeren wie inneren Verletzungen darstellen, etwa Meinen Hass bekommt ihr nicht von Kilian Riedhof, die Geschichte des Autors Antoine Leiris, der seine Frau verlor. Unser Autor ThomasAbeltshauser stellt Ihnen vor, wie die Filme, ganz unterschiedlich, mit dem Trauma umgehen. Britta Schmeis hat den Film rezensiert, die Jury der Evangelischen Filmarbeit hat ihn zum Film des Monats gewählt.

Liebe Leserin, lieber Leser,
vor dem Fall Relotius war der Fall Kummer. Hatte der Journalist Claas Relotius, gerade in seinen 60 Reportagen für den »Spiegel«, in großem Stil Fakten gefälscht, so hatte der Schweizer Kollege Tom Kummer ziemlich unverfroren Interviews mit Hollywoodprominenten wie Sharon Stone oder Brad Pitt erfunden oder aus vorliegendem Material zusammengestellt. Kummer arbeitete für »Tempo«, aber auch das »SZ-Magazin« oder die »FAZ«. 2010 erschien ein Dokumentarfilm über ihn, Bad Boy Kummer, in dem er auch über das stillschweigende Einverständnis seiner Redaktionen räsonierte. 
In diesem Monat startet Bully Herbigs Film über die Relotius-Affäre, Tausend Zeilen, nach Juan Morenos Buch »Tausend Zeilen Lüge«. Barbara Schweizerhof hat den Film in diesem Heft rezensiert. Natürlich sind Relotius und Kummer die Bad Boys im Gewerbe, verschwindend gering im Vergleich zu dem, was Journalisten auch in Deutschland schon enthüllt und aufgedeckt haben. Und dennoch: Die Journalisten machen keine gute Figur im deutschsprachigen Film. Das hat unser Autor Patrick Seyboth bei seinem Durchgang durch die neuere deutsche Filmgeschichte festgestellt. Lesen Sie seinen Text ab Seite 54.

Liebe Leserin, lieber Leser,
wahrscheinlich ist Ihnen, zumindest den älteren unter Ihnen, der Name Gregor schon einmal untergekommen. Ulrich Gregor hat 30 Jahre lang die Sektion Inter­nationales Forum des jungen Films verantwortet, zwei Jahrzehnte lang war er Co-Direktor der Berlinale. In diesem Monat wird er 90 Jahre – herzlichen Glückwunsch! Bis zur ­Pandemie hat man die beiden, Ulrich Gregor und seine Frau Erika, immer auf den Festivals dieser Welt sehen können, mit ihrer großen Neugier auf Filme. ­Alice Agnes­kirchner hat den beiden ein filmisches Porträt gewidmet, Komm mit mir in das ­Cinema. Die Gregors, das pünktlich zum runden Geburtstag in diesem Monat ­startet. 
1970 konnten die Gregors, zusammen mit anderen, das Kino »Arsenal« in Schöneberg eröffnen. Neugier auf Filme: Das war auch der Antrieb für die vielen anderen, »nicht gewerblichen« Kinos, die in dieser Zeit entstanden, eine filmkulturelle Aufbruchs­bewegung, die uns auch heute noch mit ­Filmen versorgt, die es im kommerziellen Kino schwer haben würden. Silvia Hallens­leben erinnert in diesem Heft an die ­Anfänge der kommunalen Filmarbeit – denn die ­Gregors blieben nicht allein.

Liebe Leserin, lieber Leser,
denken Sie einmal an New York. Wahrscheinlich wird jeder Kino­fan, der dort hinfährt, sich irgendwie heimisch fühlen. Denn die ikonischen Orte kennt man. Ist nicht am Empire State Building der ­Riesenaffe King Kong hochgeklettert? Und kam die Manhattan Bridge in Sergio Leones Es war einmal in Amerika nicht wieder und wieder vor? Viele Filmschauplätze und -ansichten sind heute Kult- und Kultur­orte, nicht nur in New York, sondern auch in London oder Paris. Aber wahrscheinlich gibt es noch viel mehr Drehorte, die auf der Leinwand für einen ganz anderen Schauplatz herhalten müssen, aus Kosten­gründen möglicherweise. Eine ­Wüstengegend südlich von Almeria war und ist ein berühmtes Landschaftsdouble. Sergio Leone hat die Tabernas-Wüste für den sogenannten Italowestern erschlossen, und seitdem sind dort über 300 Filme gedreht worden. In diesem Monat können Sie die Tabernas in der deutschen Produktion Der junge Häuptling Winnetou entdecken. Unser Autor Gerhard Midding hat die Wüste besucht und stellt Ihnen die wichtigsten Filme vor, die dort entstanden sind.

Liebe Leserin, lieber Leser,
es ist nicht selbstverständlich, dass Regisseurinnen und Regisseure ihre Filme begleiten, wenn sie ins Kino kommen. Begonnen haben das die Dokumentarfilmer in den siebziger Jahren, die mit ihren kritischen Werken im Gepäck und oftmals im Eigenverleih durch die Städte und Dörfer gereist sind. Heute finden solche Kino­touren häufiger statt – natürlich bedeutet eine Tour immer auch Werbung für den Film. Aber das ist nicht der einzige Beweggrund. Viele Filmemacherinnen und -macher schätzen die Diskussion und die Rückmeldung aus dem ansonsten anonym bleibenden Publikum. Auch Volker Schlöndorff, der mit Rückkehr nach Montauk 2017 Gast in unserer Gesprächsreihe »Was tut sich – im deutschen Film?« war, ist mit seinem ersten Dokumentarfilm Der Waldmacher im April/Mai durch die Kinos gezogen, hat Filmgespräche in rund 40 Städten hinter sich gebracht. Und es hat ihm nicht nur Spaß gemacht, sondern er glaubt auch danach noch an die Zukunft des Kinos als kultureller Ort. Lesen Sie seinen Erfahrungsbericht auf S. 12.

Liebe Leserin, lieber Leser,
Manifeste stellen nicht nur Absichten in den Raum, sie sind auch undenkbar ohne eine Unzufriedenheit mit den gegebenen Verhältnissen. Manifeste haben den deutschen Film nach der Befreiung vom Nationalsozialismus begleitet. Das Oberhausener Manifest von 1962, das ja das Ende von Papas Kino forderte, ist das immer noch bekannteste und vielleicht wirkmächtigste, wenn auch nicht das erste – 1947 schon hatte Helmut Käutner die »Demontage der Traumfabrik« gefordert. Zuletzt entstanden auf einem Kongress zur Zukunft des deutschen Films beim LICHTER Filmfest 2018 die »Frankfurter Positionen«, die etwa forderten, das Finanzierungsmodell Kino-Koproduktion der Länderförderungen mit den öffentlich-rechtlichen Fernsehanstalten zu beenden. 50 Prozent der Mittel sollten in künstlerisch interessante Projekt fließen. Die »Positionen« sind viel diskutiert worden, in den Förderalltag hinein reichen sie bislang allerdings nicht. Im Mai hat das Filmfest einen zweiten Kongress zur ­Zukunft des deutschen Films initiiert, an dem unsere Autorin Franziska Kohler teilgenommen hat.

Liebe Leserin, lieber Leser,
in dem Film Maixabel von Icíar Bollaín, der in diesem Monat in die Kinos kommt, spaziert die Titelheldin Maixabel mit einer Freundin am Ondarreta-Strand der baskischen Hauptstadt San Sebastián. Maixabels Mann wurde von der ETA, der terroristischen baskischen Separatistenorganisation, ermordet, der Mann ihrer Freundin auch. Maixabel will mit den Tätern reden, will ihnen ins Gesicht sagen, was sie ihr angetan haben. San Sebastián, auf Baskisch: Donostia, war der Schauplatz der ersten gewaltsamen Aktion der ETA – bei einem Anschlag auf den Bahnhof im Jahre 1961 kam ein anderthalb Jahre altes Kind ums Leben. Immer wieder war die Stadt Schauplatz von Attentaten. In San Sebastián lief im letzten Jahr auch Maixabel im Wettbewerb des Filmfestivals, was auf Baskisch Zinemaldia heißt. Das 50-jährige Wüten der ETA, bis sie 2011 den bewaffneten Terror aufgab, ist immer noch ein Trauma für die spanische Gesellschaft. In diesem Heft stellt Ihnen Thomas Abeltshauser die wichtigen Filme und TV-Serien vor, die sich mit der ETA auseinandergesetzt haben.

Liebe Leserin, lieber Leser,
wenn Sie diese Ausgabe unserer Zeitschrift epd Film in den Händen halten, wird es mehr als vier Wochen her sein, dass die russische Armee die Ukraine mit einem Krieg überzogen hat. Millionen von Menschen haben die Ukraine mittlerweile verlassen, suchen Schutz in den benachbarten europäischen Ländern. Und bei uns. Viele Filmemacherinnen und Filmemacher sind aber in der Ukraine verblieben, weil sie in der Armee mitkämpfen wie Oleg Senzow oder einfach ihr Land nicht verlassen wollen. Die ganze Filmwelt hat Putins Aggression verurteilt, darunter auch russische Künstlerinnen und Künstler, für die das ein großes Risiko bedeutet. Die Osteuropa-Spezialistin Barbara Wurm, die Filme aussucht für die Filmfestspiele von Berlin und »goEast« Wiesbaden, beschreibt ­Ihnen in diesem Heft die Situation des ukrainischen Films der letzten Jahre, die auch geprägt ist von den militärischen Auseinandersetzungen in der Donbass-Region. Viele dieser Filme waren auf den Festivals zu sehen, einige wenige haben auch einen Kinostart bei uns geschafft. Nun kommt mit This Rain will Never Stop ein sehr poetischer Dokumentarfilm in die Kinos, der von einer über mehrere Staaten verstreuten Familie erzählt.

Liebe Leserin, lieber Leser,
was musste man vor dieser Berlinale nicht alles über ihre Gefährlichkeit lesen. Sie fand ja dezidiert in den Kinos statt, hybrid hatten die Veranstalter nie angedacht, wie die ­anderen großen Festivals in Europa im letzten Jahr übrigens auch nicht. Von grober Fahrlässigkeit war die Rede, vom Infektionsrisiko in Bahnen und beim Schlangestehen. Diese Zweifel in den Tageszeitungen und Webseiten hatten mitunter schon einen Zug ins Groteske. 1400 Journalisten waren gekommen, die meisten wohl aus Deutschland, weniger als die Hälfte als sonst. Und, so wie es jetzt aussieht: Die Berlinale wurde nicht zum zweiten Ischgl. Das Gefühl von Sicherheit jedenfalls hat einen am Potsdamer Platz – mit Testpflicht für Journalisten und in halb leeren Sälen – nie verlassen. Die Filme gerieten dabei oft ins Hintertreffen. Wie der Jahrgang geraten ist, können Sie in unserem Berlinale-Schwerpunkt nachlesen. Im Wettbewerb lief auch ein Film von 
Paolo Taviani, einem der Großen des europäischen Autorenkinos. ­Leo­nora Addio hat bei uns noch keinen Start­termin. Aber in diesem Monat laufen zwei Filme altgedienter Auteurs an, Parallele Mütter von Pedro Almodóvar und The Card Counter von Paul Schrader. ­Ersteren hat Manfred Riepe porträtiert, mit dem zweiten hat Patrick Heidmann gesprochen.

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epd Film, die aktuelle Filmzeitschrift des Evangelischen Pressedienstes. Für Kinogänger und Filmfans, Fernsehzuschauer und Videonutzer, Filmemacher und Produzenten, Kinobesitzer und Verleiher.  Jeden Monat neu: aktuelle Filmkritiken, News von Festivals, neue Trends und Projekte, Filmgeschichte, Filmpolitik und Filmwirtschaft, Fernsehtipps. Jeden Monat neu: aktuelle Filmkritiken, News von Festivals, neue Trends und Projekte, Filmgeschichte, Filmpolitik und Filmwirtschaft, Fernsehtipps. 

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epd Film - 1/2024

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